Existen diferentes tipos de actuación para el cine y el teatro, y cada uno de ellos se diferencia por las técnicas y las formas con las que un actor o actriz se prepara para transmitir sensaciones y emociones a la audiencia.
¿Cuáles son las técnicas de actuación?
Si quieres conocer los tipos de actuación, también debes saber sobre las técnicas de actuación, las cuales son la base para el buen performance de todo actor en la actualidad.
1. Actuación clásica: técnica de actuación de Stanislavski
La actuación clásica es una técnica creada por el legendario actor y pedagogo teatral, Konstantin Stanislavski. Esta técnica de actuación se centra en la voz, el análisis físico y dramático, la emoción, la memoria y la observación.
El método de actuación de Stanislavski es conocido por usar los sentimientos y experiencias del actor como mecanismo para retratar los sentimientos del personaje al nivel más verdadero. Para ello, Stanislavski emprende algo llamado la “memoria afectiva”, donde el actor, mediante un diario, recopila diversas experiencias sensibles que le ayudan a interpretar al personaje al que da vida.
Además, este estilo de teatro se basa en gran medida en la premisa de que tu eliges tu propio modelo de actuación. Esto se logra con un conjunto de habilidades importantes que te permiten desarrollar un mejor performance teatral, entre ellas tenemos:
Canto (voz).
Danza y esgrima (cuerpo).
El cultivo de la mente (por medio de la literatura, la pintura y la poesía).
Cuando se le pregunta a Stanislavski sobre este tipo de actuación, el responde:
“No es un traje de confección que se puede uno poner y salir andando, ni un libro de cocina donde baste encontrar la página para tener la receta. No. Es toda una forma de vida”.
2. Técnica de Meisner
Esta técnica de actuación de Sanford Meisner se creó bajo la premisa de que el actor debía vivir con sinceridad al retratar sus acciones internas y externas. Esto con el objetivo de darle un personaje realista y creíble al público, al cual le encantaría ver más.
El ejercicio más memorable de Meisner es el ejercicio de repetición. Este ejercicio consistía en que dos personas se enfrentan y repiten una frase. La oración cambia de tono y permite a los actores responder de una manera única y natural. Al ser una oración simple, olvidar el guión no es un problema.
También, Meisner es conocido por haber creado ejercicios acumulativos, los que, por lo general, se realizan en 2 años. Te dejamos un resumen de esta técnica de actuación:
El primer año está dedicado al desarrollo del instrumento del Actor. Es el momento de reconectar con los impulsos, entrenar el imaginario y desarrollar la concentración para “poder vivir de verdad bajo circunstancias imaginarias”. En esta etapa trabajarás con escenas y monólogos.
El segundo año se centra en el desarrollo de personajes. El estudiante explora los impedimentos físicos, la parodia, el texto clásico y la improvisación entre muchos otros elementos y herramientas.
3. Técnica de Lee Strasberg
El método de Lee Strasberg se inspiró en el trabajo de Stanislavsky, así que sus libros fueron la principal referencia para crear esta técnica de actuación. El pedagogo busca que los actores tengan una conexión más fuerte con su personaje. De esta forma, Strasberg recomienda agregar lentamente pequeñas partes del personaje en la vida cotidiana del actor.
Así, uno se va sumergiendo en su personaje. Al hacer esto, el actor tendrá una mayor comprensión del papel que interpretará. Esto abarca: cómo piensa, qué le gusta, qué no le gusta y cómo interactúa. Logrando así, una mejor performance teatral.
Para entender más respecto a los tipos de actuación, te resumimos algunos elementos de este método:
Eliminar la tensión: para llevar a cabo esta técnica de actuación, Strasberg cree que los actores deben ser como “una pizarra en blanco” antes de poder encarnar la vida de otra persona. Para hacer esto, los actores deben entender dónde almacenan la tensión en sus cuerpos y liberarla antes de personificar un papel.
Uso de la memoria sensorial: una vez que las tensiones se han ido, los actores pasan a la memoria sensorial, la versión del Método de la memoria afectiva de Stanislavsky. Esto les ayuda a interpretar mejor los diferentes estados de ánimo que deben saber controlar a tiempo real.
Identificación y replicación: la capacidad de identificar sensaciones y replicarlas ayuda de gran manera en la autonomía artística del actor. En lugar de ser un “títere”, creía Strasberg, el actor puede influir en la naturaleza de la obra tanto como el escritor o el director.
4. Técnica de estética práctica
La técnica de actuación “estética práctica”, en inglés “Practical Aesthetics”, fue forjada por David Mamet, William H. Macy y sus estudiantes en el Taller de Estética Práctica. Se inspiraron en elementos de la filosofía de Aristóteles, Meisner y Stanislavsky.
Esta técnica de actuación divide una escena mediante los siguientes cuatro pasos:
El "literal": consiste en la descripción más básica, no interpretativa, de lo que está sucediendo en la escena. Por ejemplo: “Mi personaje literalmente le está proponiendo matrimonio a su pareja de 8 meses”.
El "querer": puedes seguir la siguiente pregunta para entender esta etapa. ¿Qué es lo que un personaje finalmente quiere que el otro personaje diga o haga?. Por ejemplo: "Quiero que el otro personaje acepte mi propuesta de matrimonio".
La "Acción esencial": en esta etapa, el actor debe reconocer el deseo humano universal que subyace al guión de la obra. Por ejemplo: si tu deseo es que el otro personaje acepte tu propuesta de matrimonio, el deseo humano universal (o “acción esencial”) sería el deseo por “conseguir que mi alma gemela acepte estar conmigo”.
El "Como si": Relaciona la "acción esencial" con la propia vida del actor. Por ejemplo, si la acción esencial del personaje es recuperar algo que le pertenece, el “como si” del actor debe ser un equivalente a ese malestar en su vida cotidiana.
A diferencia de los métodos anteriores, esta técnica de actuación le pide al actor que sólo comprometa su voluntad en la búsqueda de una “acción esencial” basada en las acciones del otro actor. De esta forma, es un modelo de actuación más relacional que introvertido.
5. Técnica de Michael Chéjov
Chéjov fue uno de los discípulos más destacados de Konstantin Stanislavski, y uno de los teóricos más importantes en el desarrollo de las técnicas de actuación modernas. La técnica de Chéjov se fundamenta en que el actor puede ir más allá del trabajo del dramaturgo o de la propia obra para encontrarse con el personaje y representarlo.
Aunque las técnicas de actuación desarrolladas por Chéjov están influenciadas por sus conocimientos del “sistema” desarrollado por Stanislavski, se diferencian de él en algunos puntos esenciales. Chéjov criticó que Stanislavski llamara a representar cada acción como en la vida real, ya que esto dejaba por fuera de la escena del actor a los personajes imaginarios como Don Quijote.
Sin importar los tipos de actuación, para Chéjov el material para la construcción del personaje no surgía de las circunstancias dadas y de las experiencias del actor, sino de la capacidad del actor de imaginar y visualizar las características del personaje para hacerlas crecer dentro de sí. Estas son otros de los puntos de interés que tienen las técnicas o métodos de actuación de Chéjov:
Inspirado en Rudolf Steiner, Chéjov consideró que existe un “ego superior” o “individualidad creativa” que el actor debe conseguir para hacer sus interpretaciones.
Los métodos de actuación de Chéjov también incluyen una serie de ejercicios muy rigurosos que el actor debe llevar a cabo para dominar sus medios de expresión.
El concepto de atmósferas es uno de los puntos centrales de su teoría, ya que de ella depende que una escena en su totalidad transmita las emociones y sensaciones adecuadas.
De igual manera, Chéjov consideraba que existían determinados gestos físicos a través de los cuales se puede demostrar los sentimientos, las intenciones y la personalidad de un personaje. En su libro On the technique of Acting Chéjov describe cada una de las técnicas de actuación que desarrolló.
6. Técnicas de actuación de Vsévolod Meyerhold
Según el libro The art of the actor, de Jean Benedetti, Vsévolod Meyerhold fue uno de los grandes teóricos sobre los métodos de actuación en la primera mitad del siglo XX. Además, fue uno de los miembros fundadores del Teatro de Arte de Moscú.
El método de actuación de Meyerhold es conocido con el nombre de biomecánica, y su premisa principal es que el cuerpo del actor debe responder a un determinado tipo de estímulos físicos para lograr la interpretación de cualquier personaje. En sus propias palabras decía: “...no necesitamos éxtasis sino excitación, basada firmemente en la premisa física”.
Asimismo, este teórico también desarrolló una serie de ejercicios prácticos para que los actores pudieran mejorar sus reflejos, su respuesta ante los estímulos externos, y sus habilidades para desenvolverse en el espacio. Sus técnicas de actuación dejan por fuera de la ecuación a las emociones, las que reemplazan por un ciclo mecánico que se organiza de la siguiente forma:
Intención: el actor acepta la tarea que le fue encargada por el director o el autor de la obra.
Realización: en este punto debe preparar su cuerpo y su voz para la interpretación.
Reacción: en esta parte se desprende de los estímulos y se prepara para iniciar nuevamente el ciclo.
En otras palabras el actor debe cumplir con un trabajo de preparación física que le permita interpretar a un personaje y demostrar su personalidad a través del movimiento. La idea es utilizar los movimientos y los gestos como forma de expresión emocional
No hay comentarios:
Publicar un comentario